Über Lori Cozen-Geller

„Lori Cozen-Geller formuliert ihre Skulpturen in einer vertrauten, lebendigen und relativ neuen künstlerischen Sprache. Aber bei der Schaffung dieser Objekte hat sie weit außerhalb der Normen dieses Vokabulars und des Genres, das es prägt, argumentiert, fast bis zur Häresie. Cozen-Geller ist in der Tat ein Minimalist und tritt in die Fußstapfen Hunderter hauptsächlich (wenn auch keineswegs ausschließlich) amerikanischer Künstler, die ihr Formenvokabular auf das Wesentliche reduziert haben. Aber Cozen-Geller will von großen, einfachen Formen etwas anderes als die meisten ihrer minimalistischen Vorgänger und Kohorten:

Sie will Bedeutung. Symbolische Bedeutung. Ikonographie, das heißt, sie ist für den ungeübten Betrachter genauso erkennbar (wenn auch nicht unbedingt selbstverständlich) wie ein Stoppschild – wenn auch weit weniger wörtlich.
Die mittlerweile fast ein halbes Jahrhundert alte Tradition des Minimalismus geht davon aus, dass die reduzierten, geometrisch zusammengesetzten Objekte, aus denen sich das zusammensetzt, was wir als „Minimal Art“ kennen, nichts weitergeben als die physische oder zumindest optische Erfahrung ihrer Existenz.

Was diese Erfahrung ist, kann sich beispielsweise von der hartnäckigen Materialität eines Carl Andre oder der unerbittlichen arithmetischen Logik eines Sol LeWitt zur Wahrnehmungsflüchtigkeit eines Robert Irwin verschieben; aber es soll keinerlei schlussfolgernde Resonanz annehmen, geschweige denn narrativen Inhalt. „Was man sieht, ist, was man sieht“, warnte Frank Stella zu Beginn seiner Karriere, als er einige der frühen Meilensteine der minimalistischen Bewegung malte und dabei half, deren Philosophie und Ethos zu etablieren.

Cozen-Geller akzeptiert nicht nur die unvermeidliche Assoziativität von Dingen – die Referenzierbarkeit nicht-referenzieller Kunstobjekte –, sondern nutzt sie auch aus. Es wäre übertrieben zu sagen, dass sie es für ihre eigene(n) Botschaft(en) nutzt; Wenn sie darauf aus wäre, spezifische, prosaische Informationen zu vermitteln, müsste sie sich einer Bildhaftigkeit bedienen, die weitaus weniger indirekt ist als die nicht objektive Sprache der reinen, reduktivistischen Geometrie, die sie stets verwendet. Um beispielsweise die Erinnerung an ihren Vater heraufzubeschwören, muss Cozen-Geller vielmehr kein Porträt des Mannes malen, sondern lediglich auf seine Abwesenheit verweisen, indem sie eine Form aus einer anderen, größeren Form verdrängt. Auf diese Weise bringt sie ihre Gefühle durch eine intuitive, aber klare und einfache Herangehensweise an formale Beziehungen zum Ausdruck – eine Herangehensweise, die es ihren Betrachtern ermöglicht, mit ähnlicher Intuition zu reagieren.

Sicherlich haben Cozen-Gellers Dinge eine gewichtige, allgegenwärtige „Dinghaftigkeit“. Sie nehmen Raum ein; Sie verlangen, angeschaut zu werden. Darüber hinaus wird ihre Identität als Objekte durch ihre lebendige Eigenständigkeit unterstrichen: Obwohl sie planar sind und viele von ihnen wie Gemälde an der Wand hängen, sind sie in keiner Form, Art und Weise Bilder. Es sind Objekte. Sie präsentieren sich mit derselben anfänglichen Take-it-or-leave-it-Materialität, die die Platten von John McCracken, die Blasen von Craig Kauffman und die beeindruckenden, von anderen realisierten Objekte belebt – und ihnen Gravitas (ganz zu schweigen von der Schwerkraft) verleiht südkalifornische „Finish/Fetisch“-Objektmacher. Aber wie ihre Angelenos-Kollegen nutzt Cozen-Geller die synthetischen High-Tech-Materialien und -Methoden, die mit dem kalifornischen Lebensstil verbunden sind – sie färbt ihre Skulpturen und Reliefs mit undurchsichtigen Schichten von Karosserielack – und möchte die Materialien, mit denen sie arbeitet, so gestalten so stark präsent, dass sie letztlich abwesend werden. Selbstverständlich. Neben dem Fakt. Wie erwartet und „natürlich“ wirkend, auch der Lack auf Autos.

Indem Cozen-Geller das Anständige und Gewöhnliche in ihrer Arbeit verstärkt und ihre Arbeiten effektiv in den Bereich des Alltäglichen drängt, fordert sie sich selbst und uns heraus, den „besonderen Zustand“ der Kunst aufrechtzuerhalten. Diese Objekte präsentieren sich schließlich als Kunst, weil sie etwas Transzendentes manifestieren. Man kann nicht darauf sitzen oder sie benutzen; man kann sie nur ansehen. Und man kann nicht aufhören, sie anzuschauen. Sie lenken die Aufmerksamkeit auf – nun ja, nicht so sehr auf sich selbst, sondern auf das, was sie sagen. Sie versuchen, eine verbal-visuelle Kluft zu überwinden, um Geschichten zu erzählen – oder vielmehr, Aspekte des menschlichen und natürlichen Zustands näher zu erläutern. Die Werke signalisieren Verlust, Entfremdung, Sozialisierung, Isolation, Vertreibung, Entdeckung, Selbsterkenntnis, Selbstverleugnung und andere umstandsbedingte Phänomene – umständliche Phänomene, die nicht nur für Menschen, sondern auf die eine oder andere Weise für alle fühlenden Wesen relevant sind.

Das ist eine Menge, in die man in die Kunst investieren kann, und eine Menge, von der man annehmen kann, dass sie kommuniziert. Aber es ist viel zu erwarten vom Publikum, von seiner Sensibilität, von seiner Bereitschaft, diese Themen anzusprechen und zu untersuchen, und insbesondere von seiner Fähigkeit, sich durch große, einfache Formen, die mit skurrilen, provokanten Details modifiziert werden, zu solchen Untersuchungen anregen zu lassen . Aber genau das hat David Smith getan. Das hat Alexander Calder getan. Und genau das tat Tony Smith, ungeachtet seiner väterlichen Beziehung zu den minimalistischen Bildhauern. Cozen-Gellers Sprache – also ihre visuelle Grammatik – mag noch so elementar sein, sie ist jedoch mindestens ebenso traditionell wie unerwartet.

Es gibt keine Garantie dafür, dass wir Cozen-Gelle vollständig verstehen rs „Botschaft“. Aber ihre Botschaft ist nicht ihr Hauptanliegen und muss nicht unsere sein. Cozen-Geller versucht nicht, dass wir ihren spezifischen Impuls erkennen, sondern dass wir die Form selbst in dem emotionalen Kontext, den sie ihr verleiht, erfassen. In dieser Hinsicht bricht sie mit dem Minimalismus und greift auf eine frühere Einstellung zur Abstraktion zurück: die von den Erfindern der abstrakten Kunst selbst vertretene Überzeugung, dass Abstraktion keine Geschichten erzählt, Dekorationen liefert oder Raum und Substanz physisch definiert, sondern Empfindungen hervorruft . Was wir sehen, glaubt Lori Cozen-Geller, ist das, was wir fühlen.“


-Peter Frank
Kunstkritiker