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Sein gewichtiger existenzieller Ansatz, untermauert durch einen zusammengesetzten Stil – voll mit archetypischen Formen, autobiografischen Anspielungen, symbolischen mathematischen und geologischen Referenzen, geschickt dekontextualisierten und neu zusammengesetzten Fundstücken – führt ihn durch die undurchdringlichsten Pfade einer analytischen Untersuchung des Platzes des Menschen in der Welt, in dem Versuch, die vielfältigen Bedeutungen und unterschiedlichen Möglichkeiten der Interpretation der menschlichen Existenz aufzuspüren.
Als Verkünder einer sehr persönlichen Weltanschauung, die stark von seiner eigenen poetischen Figur geprägt ist, beabsichtigt Carlo Caldara, durch einen geschickten Einsatz von Materie dazu beizutragen, die Menschheitsgeschichte neu zu schreiben. Tatsächlich reicht sein umfangreiches Werkrepertoire – das oft großformatig ist – von der Malerei bis zur Skulptur und von der Installation bis zur Fotografie und umfasst verschiedene Materialien, darunter: Kohle, Zement, Gaze, Steine, LED-Leuchten und Spiegel. Insbesondere Letztere bezeichnen eine intime visuelle Reflexion einer vieldeutigen Realität und stellen allegorisch gesprochen einen Übergang in eine andere Dimension dar, einen alternativen Weg, der Reflexion und Spiegelreflexion kombiniert, sowie ein unumstößliches Sinnbild der Erforschung einer unerbittlichen Realität, die hier als skulpturales Ritual zwischen Reflexion und Verlagerung, Illusion und Täuschung wiedergegeben wird.
Hier zeichnen füllige Linien, niedrige Temperaturen, kaltes Licht und durchscheinende organische Materialien etwas nach, das nun vollendet ist, sprechen vernünftig zu uns über die menschliche Natur, die umgebende Realität und die Frage der Identität und formen durch metaphorische Bilder die Kunst zu einem feierlichen kreativen Akt.
Inspiriert von der Moderne oder neueren Strömungen wie der Postmoderne und dem Konzeptualismus geht Caldara über die Abstraktion hinaus. Die poröse Vermischung von Formen, Farben und Linien soll einen erhabenen Dialog mit dem Betrachter schaffen. Wenn man bedenkt, dass sich seine Werke durch den Einsatz dunkler, dramatischer und dennoch lebendiger Töne manifestieren, je nachdem, welche Emotionen er hervorrufen möchte, kommen wir zum Thema der Konnivenz zwischen Licht und Vergänglichkeit. Dies sind kraftvolle Symbole, die wiederum komplexe Konzepte wie Wissen, Sein, Zeit und tatsächlich die menschliche Verfassung darstellen.
So verwendet er einerseits die Symbolik der Dunkelheit, die aus Irrtümern und Illusionen besteht, die das chimäre Wissen der sinnlichen Welt definieren, und betont das Licht, das oft mit Wissen, Wahrheit und Offenbarung in Verbindung gebracht wird und das Potenzial zum Verständnis höherer Ideen darstellt; auf der anderen Seite gibt es die Vergänglichkeit, ein Konzept, das sich auf Zeit, Veränderung und die Flüchtigkeit der menschlichen Verfassung und der Welt bezieht und oft mit der vergänglichen Natur des Lebens, der Sterblichkeit und der Vergänglichkeit der Dinge verbunden ist.
Tatsächlich ist diese Vergänglichkeit, in den Worten Martin Heideggers, mit der Idee des Seins zum Tode verbunden, bei der das Bewusstsein der eigenen Endlichkeit und der Vergänglichkeit der Existenz für ein vollständiges und authentisches Leben unerlässlich ist. Daher sind Menschen ständig auf ihren eigenen Tod ausgerichtet, und diese konstitutive Vergänglichkeit des Seins macht die Existenz zerbrechlich und bedeutungsvoll zugleich. Auf der Grundlage solcher Grundsätze nimmt dieses neue Ausstellungskapitel Licht und Vergänglichkeit Gestalt an, in dem diese beiden konstituierenden Elemente miteinander verwoben werden, um den menschlichen Zustand bestmöglich zu beschreiben, ohne jemals der atavistischen Frage nach der Konninzidenz zwischen dem ewigen und dem irdischen Leben auszuweichen, deren Bemühungen sich verflechten, um, wo immer möglich, die Fluidität der Natur und den Ansturm flüchtiger Momente als leuchtende Erfahrungen zu skizzieren, die der Ewigkeit entgehen, jenseits jenes Zyklus greifbarer Zeit, der den trägen Fluss der Zeit erfasst.
Während Licht Wissen und Offenbarung erhellt, erinnert uns die Vergänglichkeit an die Zerbrechlichkeit und Vergänglichkeit der Existenz; obwohl uns beide Wege dazu führen, die Natur der Welt, des Seins und der Erfahrung zu erforschen. Darüber hinaus erhält Licht in Heideggers Denken sowie in Caldaras künstlerischer Forschung ontologische Bedeutung. Beide manövrieren, metaphorisch gesprochen, das Konzept der Lichtung, dessen Äquivalent im Italienischen „radura“ (Lichtung) oder „apertura“ (Öffnung) ist, also der Ort, an dem sich das Sein manifestiert. Licht ist in diesem Sinne, zwischen Knappheit und Teilhabe, nicht mehr nur physisch, sondern stellt die Offenheit des Seins für das menschliche Verständnis dar.
Mit dem Klang von Spuren und Erinnerungen und durch die symbolische Analyse des Lichts – verstanden als konkretes Werkzeug zur Erforschung der sichtbaren Realität – macht Carlo Caldara sogar das Konzept der Vergänglichkeit wahrnehmbar und schafft umfassende Sinneserfahrungen, die die Wahrnehmung und Bedeutung des sich ständig verändernden Raums bewusst herausfordern. So entsteht inmitten von Rohmaterialien und Eisentönen eine beispiellose Konzeption dieser Zeit, die zwar die Essenz des Werdens und der Endlichkeit widerspiegelt, aber ewig weiterhin Veränderung und Vergänglichkeit bestimmt und Werke hervorbringt, die sich durch einen starken Sinn für Monumentalität und einen professionellen Stil auszeichnen.
Text von Domenico de Chirico
Zu den Einzelausstellungen der letzten Jahre zählen:
2013: „Gli Immortali“, kuratiert von M. Corgnati, im Palazzo del Senato, Staatsarchiv in Mailand;
2016: „Living your dream“, kuratiert von F.C.Simonelli, G.Monti und E. Beluffi, auf der Mailänder Triennale, anlässlich der XXI. Internationalen Triennale; „Lose your mind“, kuratiert von A. D’Amelio, im Palazzo Flangini in Venedig, anlässlich der 15. Architektur-Biennale von Venedig.
2017: „True Story“, kuratiert von C.Strinati, im Vittoriano-Komplex in Rom und im Guatemala-Pavillon der 57. Internationalen Kunstausstellung – Biennale von Venedig.
2018 mit seiner Frau Arch. Federica Kluzer präsentierte das Werk „Virtual Architecture – Real world“ im Guatemala-Pavillon der 16. Internationalen Architekturausstellung – Biennale von Venedig, „Stigma“, kuratiert von D.R.Tedeschi. Der Künstler wurde 2019 eingeladen, auf der 58. Internationalen Kunstausstellung – Biennale von Venedig, im Grenada-Pavillon, „Epic Memory“, kuratiert von D.R.Tedeschi, auszustellen, wo er einen großen Globus mit dem Titel „MEMORY WAYS“ ausstellte.
2021: „One for eleven“, Art Week, Turin, Spazio Musa.
2022: „Worring AboutEternity“, kuratiert von M. Ritter, Einzelausstellung, Opus In Artem, Artsy.
2024: „Whispers of Art“, kuratiert von A.Forni, Vigevano Biennale, Castello Sforzesco, Vigevano.