CARLO CALDARA

„Licht und Vergänglichkeit“ / „Light and Transience“ Galerie Benjamin Eck, München
Text von Domenico de Chirico

Sein gewichtiger existenzieller Ansatz, untermauert durch einen zusammengesetzten Stil – voll mit archetypischen Formen, autobiografischen Anspielungen, symbolischen mathematischen und geologischen Referenzen, geschickt dekontextualisierten und neu zusammengesetzten Fundstücken – führt ihn durch die unzugänglichsten Pfade einer analytischen Untersuchung des Platzes des Menschen in der Welt, in dem Versuch, die vielfältigen Bedeutungen und unterschiedlichen Möglichkeiten der Interpretation der menschlichen Existenz aufzuspüren.

Als Verkünder einer sehr persönlichen Weltanschauung, die stark von seiner eigenen poetischen Figur geprägt ist, beabsichtigt Carlo Caldara, durch einen geschickten Einsatz von Materie dazu beizutragen, die menschliche Geschichte neu zu schreiben. Tatsächlich reicht sein umfangreiches Werkrepertoire – das oft großformatige Werke bevorzugt – von der Malerei bis zur Skulptur und von der Installation bis zur Fotografie und umfasst verschiedene Materialien, darunter: Kohle, Zement, Gaze, Steine, LED-Leuchten und Spiegel.

Insbesondere letztere bezeichnen eine intime visuelle Reflexion einer polysemen Realität und stellen allegorisch gesprochen einen Übergang in eine andere Dimension dar, einen alternativen Weg, der Reflexion und Spiegelreflexion kombiniert, sowie ein unumstößliches Sinnbild der Erforschung einer unerbittlichen Realität, die hier als skulpturales Ritual zwischen Reflexion und Verlagerung, Illusion und Täuschung wiedergegeben wird.

Hier zeichnen füllige Linien, niedrige Temperaturen, kaltes Licht und durchsichtige organische Materialien etwas nach, das nun vollendet ist, sprechen vernünftig zu uns über die menschliche Natur, die umgebende Realität und die Frage der Identität und formen durch metaphorische Bilder die Kunst zu einem feierlichen kreativen Akt.

Caldara lässt sich von der Moderne oder neueren Strömungen wie der Postmoderne und dem Konzeptualismus inspirieren und geht über die Abstraktion hinaus. Die poröse Vermischung von Formen, Farben und Linien soll einen erhabenen Dialog mit dem Betrachter erzeugen. Wenn man bedenkt, dass sich seine Werke durch den Einsatz dunkler, dramatischer und doch lebendiger Töne manifestieren, je nachdem, welche Emotionen er hervorrufen möchte, kommen wir zum Thema der Konnivenz zwischen Licht und Vergänglichkeit.

Dies sind kraftvolle Symbole, die wiederum komplexe Konzepte wie Wissen, Sein, Zeit und tatsächlich die menschliche Verfassung darstellen. So verwendet er einerseits die Symbolik der Dunkelheit, die aus Irrtümern und Illusionen besteht, die das chimärische Wissen der sinnlichen Welt definieren, und betont das Licht, das oft mit Wissen, Wahrheit und Offenbarung in Verbindung gebracht wird und das Potenzial zum Verständnis höherer Ideen darstellt; auf der anderen Seite gibt es die Vergänglichkeit, ein Konzept, das sich mit Zeit, Veränderung und der Flüchtigkeit der menschlichen Verfassung und der Welt befasst und oft mit der vergänglichen Natur des Lebens, der Sterblichkeit und der Vergänglichkeit der Dinge verbunden ist.

Tatsächlich ist diese Vergänglichkeit, um es mit Martin Heideggers Worten auszudrücken, mit der Idee des Seins zum Tode verbunden, bei der das Bewusstsein der eigenen Endlichkeit und der Vergänglichkeit der Existenz wesentlich für ein erfülltes und authentisches Leben ist. Daher sind Menschen ständig auf ihren eigenen Tod ausgerichtet, und diese konstitutive Vergänglichkeit des Seins macht die Existenz fragil und bedeutungsvoll zugleich.

Auf der Grundlage solcher Grundsätze nimmt dieses neue Ausstellungskapitel Licht und Vergänglichkeit Gestalt an, in dem diese beiden konstituierenden Elemente miteinander verwoben werden, um den menschlichen Zustand bestmöglich zu beschreiben, ohne jemals der atavistischen Frage nach der Konnexion zwischen dem ewigen und dem irdischen Leben auszuweichen, dessen Bemühungen sich verflechten, um, wo immer möglich, die Fließfähigkeit der Natur und den Ansturm flüchtiger Momente als leuchtende Erfahrungen zu skizzieren, die der Ewigkeit entfliehen, jenseits jenes Zyklus greifbarer Zeit, der den trägen Fluss der Zeit erfasst.

Während Licht Wissen und Offenbarung erhellt, erinnert uns die Vergänglichkeit an die Fragilität und Vergänglichkeit der Existenz; obgleich uns beide Wege dazu führen, die Natur der Welt, des Seins und der Erfahrung zu erforschen. Darüber hinaus nimmt Licht sowohl in Heideggers Denken als auch in Caldaras künstlerischer Forschung eine ontologische Bedeutung an. Beide bewegen sich metaphorisch gesprochen mit dem Konzept der Lichtung, dessen Äquivalent im Italienischen „radura“ (Lichtung) oder „apertura“ (Öffnung) ist, also jener Ort, an dem sich das Sein manifestiert. Licht ist in diesem Sinne, zwischen Knappheit und Teilhabe, nicht mehr nur physisch, sondern stellt die Offenheit des Seins für das menschliche Verständnis dar.

Daher macht Carlo Caldara durch den Klang von Spuren und Erinnerungen und durch die symbolische Analyse des Lichts – verstanden als konkretes Werkzeug, das bei der Erforschung der sichtbaren Realität eingesetzt werden soll – sogar das Konzept der Vergänglichkeit wahrnehmbar und schafft umfassende Sinneserfahrungen, die die Wahrnehmung und Bedeutung des sich ständig verändernden Raums absichtlich herausfordern. So entsteht inmitten von Rohmaterialien und Eisentönen eine beispiellose Konzeption dieser Zeit, die zwar die Essenz des Werdens und der Endlichkeit widerspiegelt, aber ewig weitergeht.




Zu den Einzelausstellungen der letzten Jahre zählen:

2013: „Gli Immortali“, kuratiert von M. Corgnati, im Palazzo del Senato, Staatsarchiv in Mailand;
2016: „Living your dream“, kuratiert von F.C.Simonelli, G.Monti und E. Beluffi, auf der Mailänder Triennale, anlässlich der XXI. Internationalen Triennale; „Lose your mind“, kuratiert von A. D’Amelio, im Palazzo Flangini in Venedig, anlässlich der 15. Architektur-Biennale von Venedig.
2017: „True Story“, kuratiert von C.Strinati, im Vittoriano-Komplex in Rom und im Guatemala-Pavillon der 57. Internationalen Kunstausstellung – Biennale von Venedig.

2018 mit seiner Frau Arch. Federica Kluzer präsentierte das Werk „Virtual Architecture – Real world“ im Guatemala-Pavillon der 16. Internationalen Architekturausstellung – Biennale von Venedig, „Stigma“, kuratiert von D.R.Tedeschi. Der Künstler wurde 2019 eingeladen, auf der 58. Internationalen Kunstausstellung – Biennale von Venedig, im Grenada-Pavillon, „Epic Memory“, kuratiert von D.R.Tedeschi, auszustellen, wo er einen großen Globus mit dem Titel „MEMORY WAYS“ ausstellte.

2021: „One for eleven“, Art Week, Turin, Spazio Musa.

2022: „Worring AboutEternity“, kuratiert von M. Ritter, Einzelausstellung, Opus In Artem, Artsy.

2024: „Whispers of Art“, kuratiert von A.Forni, Vigevano Biennale, Castello Sforzesco, Vigevano.


PETER DEMETZ

Der in Bolanzo, Italien, geborene Peter Demetz hat mit seinen komplizierten Holzschnitzereien internationale Anerkennung gefunden. Nach dem Studium am Kunstinstitut St. Ulrich erwarb Demetz eine Lehre bei dem Bildhauermeister Heinrich Demetz, dessen Fokus auf „sakrale Kunst“ Peter und sein Werk nachhaltig beeinflusste. Demetz studierte anschließend Erziehungs- und Entwicklungspsychologie, um dort Vorlesungen und Seminare zu halten. Seit 2001 unterrichtet Demetz Holzschnitzerei, Zeichnen, Design, Anatomie und andere Kurse für die Akademie der Bildenden Künste in Carrara, das Daetz-Centrum in Lichtenstein, Deutschland, das Designzentrum von Swarovski in Österreich und das LKJ-Sachsen in Leipzig.

Demetz’ Werk zeigt außergewöhnlich detaillierte Holzfiguren, die in einem Leuchtkasten wie auf einer Theaterbühne positioniert sind. Die äußere Erscheinung der Figuren wird oft verharmlost oder versteckt, um auf ihre innere Welt aufmerksam zu machen. In jedem Werk von Demetz, das durch Ausstellungen in Italien, Österreich, Deutschland, den USA, Belgien und der Türkei sowie auf Messen wie der Art Miami internationale Aufmerksamkeit erregt hat, ist immer eine individuelle Selbstreflexion präsent